Hipolito Restó & Arte
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Biography
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En la Ciudad Autonoma de Buenos Aires, en la calle Sarmiento 948, adosada a una de las columnas de granito que sostiene el actual edificio de catorce pisos, se encuentra una placa de bronce que dice:
"En este sitio el 03 de Julio de 1933 murio Don Hipolito Yrigoyen..."
Asi nacio Hipolito Resto & Arte, inaugurado el 10 de Septiembre de 2001, en homenaje a ese ex-presidente que vivio los ultimos dias de su vida, alquilando una habitacion en aquel conventillo que ocupara este, nuestro lugar.
Con una propuesta gastronomica diferente, que a traves de tiempo se fue afianzando en la zona, Hipolito Resto & Arte es sinonimo, hoy en dia del buen cafe y buena comida.
Ademas, como valor agregado a esto, en su Salon, Ud. gozara de las mas variadas Exposiciones de Arte de reconocidos artistas plasticos contemporaneos, cumpliendo de esta manera con nuestro objetivo de llevar "el Arte a la vida cotidiana".
Al promediar los seis meses de nuestro lanzamiento de difusion de Arte, se logra un acuerdo con el Sr. Joan Lluis Montane de la Asociacion Internacional de Criticos de Arte, por medio del cual nos remite un escrito especificamente realizado para cada artista que expone, describiendo y profundizando su obra, el cual respalda nuestra labor de difusion. Al mismo tiempo, la artista plastica multidisciplinar Francisca Blazquez, creadora del Dimensionalismo, nos concede difundir su obra en nuestra Web, iniciando de esta manera nuestra insercion internacional en la difusion de Arte.
Por otra parte, luego de nuestro primer ciclo de exposiciones, lanzamos el Circuito Resto & Arte, el cual es la conjuncion de un grupo selecto de restaurantes que tienen como proposito difundir el arte y la cultura en un entorno apacible y relajado que incite a la observacion, a la reflexion y al disfrute, acercando, de esta manera el arte a todos sus clientes y visitantes, estimulando su sensibilidad por el entorno a traves de un espacio donde conviven e interactuan las obras en exposicion.
A su vez, los artista plasticos, cuentan con la posibilidad de exponer sus obras en los diferentes espacios ubicados en puntos estrategicos de nuestra gran ciudad, logrando de esta manera una exposicion dinamica en tiempo y espacio, abarcando diferentes ambitos geogroficos, como asi tambien un publico variado, logrando que sus obras sean disfrutadas por mayor cantidad de personas que en una muestra convencional, con el objetivo final de utilizar estos espacios, que concurrimos asiduamente, para que el arte sea el que se acerque a nosotros.
Es por esto que podemos decir que Circuito Resto & Arte desarrolla una nueva manera y un nuevo estilo de transmitir el arte.
Hoy con un total de veintiseis exposiciones y mas de veinte obras vendidas Hipolito Resto & Arte es simbolo de difusion de nuestro arte, no solo en su espacio de la city de Buenos Aires, sino tambien en innumerables espacios de la Web, en los cuales se inserta no solo la obra sino tambien el curriculum y las criticas de la misma.
En el 2007 se realizaron exposiciones de artistas internacionales, como asi tambien de renombrados artistas argentinos, afianzandonos cada vez mas como espacio alternativo de difusion, que es nada menos, nuestra idea original.
Jorge Vera / Fernando Magnalardo
Directores de Hipolito Resto & Arte
Directores de Circuito Resto & Arte
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Statement
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Exhibitions
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Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil
Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático.
Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento.
Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional.
Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas.
Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo.
Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.
Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
Stella Sidi y la intervención artística en el objeto.
"Mis Cafés", un ritual placentero en una muestra entre el umbral de la fotografía y la pintura.
Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece se exponen en un Café Bar de Buenos Aires.
Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres.
El análisis de esos detalles llevó a Stella Sidi a investigar los momentos de distensión y reflexión que se siente cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales.
El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña.
Y., no es el café que se toma en casa., es el que nos acompaña fuera de ella., quizás buscando la calidez del refugio.
En un trabajo de búsqueda de su identidad, durante más de un año tomó fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos.
En la post-producción, sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervino digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color.
Sidi, busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.
El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.
Investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, va más allá de la anécdota.
Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.
Realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura.
La muestra estará abierta al público hasta el 31 de Julio en el espacio alternativo de difusión Hipólito Restó & Arte donde los transeúntes pueden convertirse en cómplices de esta realidad dual según el observador que la aprecie.
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
www.hipolitorestoarte.com.ar
"Van Viniendo" una muestra de la artista Karina Bezchinsky, presentada en el espacio alternativo Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, donde nos muestra sus experiencias en las que se encuentra, se traduce, se trasluce, manifestándose a través de una diversidad de colores, formas y texturas.
Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.
Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.
Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.
Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.
Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.
Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.
La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.
Nacida en Buenos Aires en 1963, comenzaron a esbozarse hace algunos años las primeras manifestaciones de lo que es hoy una irrefrenable explosión de color y experimentación a través de la cual siente que canaliza y libera esa generosa intuición que guía su evolución espiritual.
Comenzó su exploración y formación en el taller de Diana Dreyfus, y luego en el taller de Silvia Flichman, quien estimula su participación en diversos eventos de arte.
Cree en el arte, en las corrientes que fluyendo amalgaman procesos creativos compartidos. Trabaja actualmente en varios proyectos de integración de diferentes disciplinas artísticas como teatro-música-pintura; escritura-pintura-danza con la idea de crear una sinergia que sintetice y complete cada vez más la unidad de la que somos parte.
Es una muestra en la que las intuiciones que se gestan en Karina, son guiadas por una inquieta y transformadora energía vital.
Una diversidad de colores, formas y texturas que invitan a jugar, a sentir que cada obra es un nuevo viaje, estarán presente hasta el 26 de Junio de 2009, en este espacio alternativo para los artistas.
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina.
www.hipolitorestoarte.com.ar
Juan Carlos Callejón, de la potencia del gesto, presencia en el espacio, color
Juan Carlos Callejón indaga en la potencia del gesto, en la presencia del espacio. Nutre de formas sinuosas, de gestos, de movimientos que abrazan la evidencia de lo que está cambiando, porque en el movimiento está la fuerza de la transmutación.
Todo cambia, energía de la biología, vida, existencia, estructuras y enlaces que bailan la danza de todas las danzas, que perfilan alegorías, composiciones, paisajes, elementos, momentos, organicidades, alusiones y evidencias, también exhiben aquello que parece pero no es.
Asimismo indaga en lo abstracto a partir del gesto, pero construyéndolo, sin renunciar a su perfil, porque el gesto se fundamenta en la posibilidad de ir más allá de la alegoría de lo que es.
El gesto para Juan Carlos es organicidad, forma, estructura, elementos que constituyen la base de la propia configuración de una actitud que se instala en lo emblemático.
Una emblematicidad que no es gratuita sino todo lo contrario. Una emblematicidad que es singular, porque apercibe mundos extraños a partir de lo real, aunque abstracto, fundándose en el poder evocador energético que emana del gesto para posicionarse en lo fundamental básico.
La verdad es la evidencia de lo que existe. Una evidencia que se halla inmersa en lo sustancial de la existencia.
Es un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida, en cualquiera de sus formas, integrándolas todas, buscando una síntesis que no sea excesivamente descriptiva.
Conecta con la forma para ser fondo en lo inmenso de la evidencia sincrética. En este contexto el color es importante, en primer lugar porque abre caminos, aperturas hacia una singularidad que, a veces, nos recuerda la parte que conecta con los espíritus, con la presencia de seres que están más allá y que se reflejan a través de los atisbos, en este caso, de formas al viento en el espacio, donde el color nos recuerda la vibración y nos abre la puerta hacia la escalera energética.
Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
Eva Manzella "Sensaciones"
Hipólito, el Restó de la City de Buenos Aires, donde se fusionan la gastronomía con exposiciones de artistas plásticos consagrados y emergentes, abre su calendario 2009 con la obra pictórica de Eva Manzella en una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.
"En el acto de pintar, expresa Eva, pienso en cómo distribuir el espacio de la tela, como si fueran los renglones en donde voy escribir mis palabras, mis manchas; trato de representar mi paisaje interior sin atarme a una estética determinada, utilizando tanto el negro como el color, en un antagonismo en lucha de emociones y pensamientos, una figura que emerge como un gesto, un cuadrado que nos contiene, pero no nos deja ser en nuestra verdadera geometría.
Somos habitantes de nosotros mismos, tratando de romper la barrera que no nos deja estar con el otro. Como penetrar los caminos que esconde la ciudad perdida, invisible, acechante, furiosa, descarnada e intrigante. Estos mundos desconocidos son habitados por mí, y en mi dolor por ellos, para perderles el miedo, para hacerme amiga, quiero sentir que fueron puestos en descubierto, que alguien los vio, que yo los encontré y ahora los conozco.
¿Cómo puedo representar esos mundos escondidos e inalcanzables? Sólo mis sensaciones provocan mi imaginación, mi intuición me guía en la búsqueda estética, no alcanza la información, no alcanza nada."
La muestra, compuesta por trabajos en acrílico y técnicas mixta sobre tela, indaga en sensaciones y estadíos de la conciencia, empleando recursos propios del expresionismo, interactuando entre diferentes realidades, sin renunciar a la plasticidad. Una obra que posee sensualidad y coherencia.
Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.
En un mundo tan convulsionado, con un presente vertiginoso, este pequeño Restó, quiere con sus propuestas artísticas, albergar sensaciones en la mente y en el corazón.
La muestra estará abierta al público hasta el 11 de Abril de 2009, con entrada libre y gratuita.
Textos:
Joan Lluís Montané
Eva Manzella
Fernando Diego Magnalardo / Jorge Omar Vera
Bodegones de Verónica Rodríguez
Los bodegones de Verónica Rodríguez se fundamentan en la consecución de la hiperrealidad de los objetos, buscando, permitiéndose, encontrando estados de serena visión pictórica.
Se aproxima a una realidad que es concreta, que enlaza con su percepción de los objetos, elementos, utensilios, frutas y otros objetos de los bodegones que son partes de una composición que se orienta hacia la formulación del deseo de lo objetual.
Su objetualidad es determinante, en el sentido de que conjuga color y forma, objeto y composición, a partir de encuadres basados en primeros planos, en planos próximos a una realidad que se interconecta con su voluntad de conocer la percepción interior que alimenta lo representado.
La artista, nacida en Buenos Aires, vive en Argentina y Francia, exponiendo en ambos países, siendo su obra sólida, a la vez, concreta, buscando ambientes determinados por la evidencia de los objetos, frutas y utensilios.
El objeto o el elemento se convierten en el primer protagonista de su creación. Sus frutas en sus bodegones ocupan la parte central de la composición, porque buscan el protagonismo de las mismas, no son mero objeto decorativo.
De hecho rehúye la decoración, buscando la presencia física clara de lo representado, en el sentido de ahondar en la preponderancia de los objetos y frutas, de la exhibición clara de sus elementos y partes, como esencias encuadradas en el discurso clásico, pero, a la vez, contemporáneo.
En realidad busca la persistencia de lo contemporáneo a partir de emplear actitudes clásicas, para obtener una determinada efusión de sensualidad conectando con la formulación de una realidad que se asienta en lo determinante de lo existente.
Es partidaria de los sombreados, conjugando la presencia de la luz, armonizando zonas de claridad y oscuridad, para mostrarnos el poder pictórico de una obra que se funda en el dibujo, la perspectiva, los encuadres, la combinación de colores intensos con otros más austeros, dentro de un discurso en el que lo importante es la descripción y lo que esta representa más allá de sus propios límites.
Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
Elizabeth Eichhorn: Razas y Colores
La razón de "Razas y colores", es la de aunar en un tema y una técnica distintas expresiones respetando la idiosincrasia de cada uno. Por eso se verá una variedad particular, incursionando dentro de lo figurativo y lo humano, que es lo que más aprecio trabajar, en distintas maneras de verlo. Obras de colorido luminoso y suave, otras casi monocromas, otras de colores vibrantes, algunas más oscuras. Y en el procedimiento se verá el trazo, en unas de un realismo muy marcado matizado con manchas, en otras el protagonismo pertenece a estas manchas, y en algunas más habrán con una pisca de expresionismo, de fantasía. Las personas retratadas presentan su folklore, ya sea en la vestimenta, en sus flores nacionales o en los elementos que las acompañan, o en su problemática social. Todas pretenden tener la expresión característica de la idiosincrasia de su raza. No falta, como nunca faltó, la presencia argentina y además, como me gusta hacer en todas las muestras que he realizado, hay una obra "unificadora", la del país imaginario, la que puede pertenecer a todos, la que puede representarlos a todos mostrando que, ante los ojos de la naturaleza y de Dios, la esencia del ser humano es la misma así cambie el lugar geográfico y así pase el tiempo. Esta es mi intención, y estoy satisfecha con ella.
Octubre de 2008
Stella Mezzadri y su envolvente mundo de sensaciones.
En su nueva "Serie 2008", la pintora argentina Stella Mezzadri, capta y expresa estadios del alma y nos conduce, a través de su discurso plástico, a lo que no se dice pero que está explícito.
Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal.
Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior.
En su nueva Serie 2008 nos muestra el renacer del profundo letargo que la naturaleza envuelve a todos los seres vivos, logrando de esta manera, a través de su laboriosa búsqueda de colores, un producto muy elaborado, donde la luz juega un papel preponderante en la misma, como así también la calidez, la delicadeza, los interesantes cromatismos y las excelentes composiciones, los cuales se conjugan en una sola materia.
Sus composiciones se entrelazan caprichosamente formando vertiginosas figuras definidas por el estado anímico del espectador, incluso fuera de los límites físicos de la obra, pudiendo de esta manera combinar en dípticos o trípticos, como si los mismos hayan sido realizados el uno para el otro, realzando de esta forma la maestría de su obra.
Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu.
Septiembre de 2008
José Cukier, el lenguaje del ausente y los gritos del silencio
Artista plástico y médico psicoanalista, José Cukier siempre ha compaginado ambas profesiones, siendo un creador específico, instalado en la mente y la memoria, en el subconsciente y la dinámica de lo que ocurrió o va a suceder.
La actual exposición titulada El lenguaje del ausente es fiel reflejo de su predisposición a investigar y plasmar aquello que no se ve de forma directa pero que es.
El lenguaje del ausente es una serie pictórica que está basada en personas, gentes que no están entre nosotros y que han sufrido persecución, tortura, represalias políticas, en definitiva, de aquellos privados de libertad en todos sus ámbitos.
Sus obras nos hablan con belleza del alma dolorida, privada de ingredientes y alicientes positivos, pero, que, sin embargo, está ahí. Capta los gritos del silencio, la fuerza de la energía contenida en aquellos que sufren, que les cierran el camino de la auténtica evolución.
Plasma con letras, signos, iconos, con una notable ironía escondida en los pliegues expresivos del color y, también, en los títulos de algunas de sus obras, para poner los puntos sobre las íes desde el punto de vista de una realidad que puede llegar a ser más terrible de lo que nos podemos imaginar.
Sus obras son intensas, de colores contrastados, incendiarios o bien sutiles, pero tristes y melancólicos. También hay ciertas alusiones a lenguajes vanos, a frases ambiguas, a creencias en las que se puede o no creer pero que las plasma en una interrogación.
Julio de 2008
Enrique Alvarez Aldana.
Mujeres enamoradas.
Junio de 2008
Cynthia Novillo Almada.
ATREVERSE A MIRAR
Mayo de 2008.
NEST.
La naturaleza humana seg?Nest.
Abril de 2008.
Orlando Arganraz.
Muestra EXPRESIONES
Marzo de 2008.
Stella Sidi.
AMORES PROHIBIDOS
Enero / Febrero de 2008.
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